La scultura Romanica

L'espressione arte romanica venne coniata al principio del XIX secolo per indicare la produzione artistica compresa tra la fine del X e il XII secolo. Queste indicazioni cronologiche non sono valide allo stesso modo per tutte le regioni, poiché in alcuni paesi, come in Francia, il romanico venne sostituito dal gotico fin dalla metà del XII secolo, in altri invece, come la Spagna, la Germania e l'Italia, si protrasse fino agli inizi del XIII secolo e anche oltre.
La parola romanico induce a fare due importanti considerazioni: in primo luogo sottolinea una certa continuità tra l'arte romana imperiale e paleocristiana e l'arte medievale; in secondo luogo mette in luce una circostanza di ordine storico e geografico: l'arco di espansione dell'arte romanica corrisponde al territorio su cui si estendeva l'influenza della Chiesa di Roma, latina e cattolica.In ciò l'arte romanica si distingue dall'arte bizantina, che corrispondeva al dominio della Chiesa d'Oriente, greca e ortodossa; comunque, si verificarono frequenti scambi tra questi due mondi e in particolare elementi bizantini vennero largamente accolti dal mondo latino.

Generalmente si pensa che l'arte romanica si sia occupata esclusivamente della produzione di opere di carattere religioso. Non è del tutto esatto. In quell'epoca gli interessi religiosi erano certo preponderanti e la vita eterna preoccupava molto più che la vita terrena cosicché venne eretto un numero grandissimo di chiese di ogni categoria, dalle cattedrali, che ospitavano la cathedra del vescovo, alle abbazie incorporate nei complessi monastici, dalle collegiate officiate da canonici alle chiese parrocchiali disseminate nelle più remote zone agricole e alpestri. Non bisogna però dimenticare che, in quei secoli, nei paesi dell'Europa centrale e settentrionale si consolidava il sistema feudale, e in Italia iniziava la civiltà dei Comuni.
II romanico recupera dunque diverse tradizioni (romana, barbarica, orientale e islamica) su cui predomina forte spiritualità cristiana che imprime una precisa tendenza al trascendente. L'arte diviene strumento di conoscenza e le opere hanno valore educativo. Con la rinascita della città sì afferma l'architettura a cui son strettamente legate la pittura e la scultura.

La scultura italiana nel periodo romanico

Ancorché non siano mancati in Italia durante l'alto Medioevo capolavori di arte plastica, specialmente nel campo della metallurgia (quali ad esempio i rilievi dell'«altare d'oro» della Basilica di S. Ambrogio di Milano, eseguiti nella prima metà del IX secolo da Vuolvino, un orafo rappresentante la Grande tradizione carolingia), di una vera e propria scultura intesa come ricupero ed affermazione di quei valori di volumetria che in conseguenza della diffusione del gusto bizantino erano andati perduti dopo l'antichità classica, si può parlare solo a partire dagli inizi del XII secolo, cioè in corrispondenza col pieno fiorire della civiltà «romanica»

Strettamente legata all'architettura, crea forme di solida plasticità e grande senso figurativo. Nei portali i rilievi si dispongono nel grande pilastro centrale,nell'architrave e nel timpano, occupato solitamente al centro dal Cristo in Maestà. II capitello cubico accoglie episodi sacri, scene fantastiche o quotidiane. ai mestieri e ai bestiari. Le statue e i gruppi collocati sugli altari sono solitamente di legno policromo. Rifiorisce la tecnica di fusione del bronzo e si realizzano grandi porte a formelle. I temi iconografici più diffusi sono ispirati alla storia sacra, alle visioni apocalittiche, ai mestieri e ai bestiari.

In Italia, l'elemento caratterizzante è un vigoroso plasticismo che fonde le ascendenze tardo-romane alle correnti barbariche e acquista una precisa autonomia rispetto all'architettura. Si affermano le prime personalità artistiche chiaramente individuabili: Wiligelmo scolpisce nel Duomo di Modena, 1099-1106, le Storie della Genesi con toni altamente drammatici, Benedetto Antelami esegue la decorazione del Battistero di Parma, 1196/1270 con raffinato realismo. A essi si affianca l'attività dei Maestri Campionesi, attivi in varie regioni.

Capolavori di originalità ed eleganza compositiva sono le porte bronzee di Bonanno Pisano (Porta di S. Ranieri• 1180?• Cattedrale di Pisa).

Il pulpito di Guglielmo scolpito da per il duomo di Pisa tra il 1159 e il 1165, e successivamente trasferito a Cagliari per lasciare il posto al nuovo pulpito di Giovanni Pisano, segna invece un punto di svolta nella scultura romanica della Toscana, avviando un processo di sviluppo che anticipa le soluzioni di Nicola Pisano. Gli studiosi ricononscono una vera e propria "scuola di Guglielmo, influenzata dai modi e dalle forme dei sarcofagi romani.

In particolare nei portali delle chiese, contrassegnati dalla firma dello scultore, lunette e architravi rivelano accenti stilistici classici. Fra queti è l'architrave del portale maggiore di Sant'Andrea a Pistoia, che un'iscrizione permette di attribuire a Gruamonte, affiancato dal fratello Adeodato (o Deodato), e di datare al 1166.

A Pisa, nell'ambiente di Guglielmo, si formò anche Biduino che, nel 1180, scolpì l'architrave del portale della pieve di San Casciano a Settimo.

La scultura Gotica

Occupa un periodo compreso tra la fine del XII e l'inizio del XVI sec., nato nel Nord della Francia, si sviluppa in tutta Europa caratterizzandosi per il valore delle linee ascensionali (verticalìsmo), la luminosità e il realismo figurativo, per l'aglilitò e la finezza delle forme.

Nel campo dell'architetture i caratteri dominanti sono la ricerca di un equilibrio dinamico al posto della staticitò delle masse propria dello stile romanico, lo slancio verso l'alto, il verticalismo della maggior parte delle strutture dell'edificio, lo sforzo degli architetti per ridurre la costruzione alla sola ossatura portante, la scomparsa graduale dei muri che vennero sostituiti da vetrate colorate, in modo da creare un'architettura in un certo senso immateriale.

L'identità dell'artista si definisce uscendo dall'operato anonimo, si diffonde l'uso del disegno per
progettare facciate e campanili. L'architettura mantiene il valore preminente creando grandiose cattedrali, spazi luminosi raffiguranti l'universo del sapere. Notevoli gli edifici monastici e i palazzi.

Le facciate rimangono il luogo privilegiato della scultura monumentale fino alla fine del XIII sec. Verso il 1170-1155 a Saint-Denis o a Senlis, si manifesta un naturalismo ancora molto idealizzato che si evolverà nel XIII sec. verso una maggiore fluidità, una maggiore eleganza (cattedrali di Chartres, Parigi, Amìens, Reìms), addirittura una maggiore espressione realistica (nell' Impero: Bamberg, Strasburgo, Naumburg). Statue isolate, Vergini dal grazioso movimento flessuoso, dai bei drappeggi, figure giacenti per i monumenti funebri che tendono al ritratto, si moltiplicano a partire dal XIV sec.

La riscoperta della natura è evidente nelle figure realistiche ed espressive cui si affiancano ancora elementi fantastici e immaginari. Si ricerca una nuova armonia di linee e volumi. Le testimonianze più significative si trovano all'esterno delle cattedrali (portali, trumeau. galleríe) dove si afferma il tipo della statua-colonna sporgente ad altorilievo con forme allungate e rigide che sottolineano la tensione verticale dell'edificio. Con la statuaria a tutto tondo la scultura diviene autonoma rispetto all' architettura. Terni più diffusi sono la Vita dì Cristo e della Vergine, i profeti e i santi, le allegorie della Virtù, i mesi e i lavori dell'uomo. Tipici sono i monumenti sepolcrali e pulpiti. Le statue sono dipinte a colori vivaci, oggi in gran parte perduti.

La scultura italiana nel periodo gotico

Nella scultura, il gotico penetrò in ritardo in Italia, e la diffusione delle forme allungate e dei ritmi avvolgenti e stilizzati delle opere francesi venne sempre ostacolata dall'antico senso plastico.

E' in Toscana, nella seconda metà del Duecento, che incontriamo la prima forte personalitò di artista: Nicola Pisano (1220 circa 1278/87) fonde questi elementi creando un linguaggio innovativo ricco di espressività. Nel Pulpito dei Battistero di Pisa si precisa il gusto naturalistico della narrazione e la ponderata scansione del volumi. II figlio Giovanni ne continua l'opera intensificando la drammaticità espressiva e adottando dinamiche linee agitate (Pulpito del Duomo di Pisa).

Arnolfo di Cambio, allievo di Nicola Pisano, predilige l'esperienza classica creando robuste figure di austera monumentalità (Carlo I d'Angiò, ca 1277).

La scultura Rinascimentale

Il termine Rinascimento definisce generalmente quel periodo della civiltà e della cultura europea che va dai primi anni del Quattrocento alla fine del Cinquecento e segna l'inizio della civiltà moderna.
Oggi si tende ad eliminare la tradizionale distinzione tra umanesimo, rinascimento e manierismo e si preferisce parlare di primo secondo e terzo rinascimento riconoscendo come unitari nella sostanza questi tre momenti, Si tende perciò a estendere il rinascimento fino alle soglie dell'età barocca poiché, in effetti , è solo con il XVII secolo che muta radicalmente l'orizzonte culturale, oltre che geografico, politico ed economico, dell'uomo e muta intimamente la sua concezione dello spazio, situandolo ora egli in un universo illimitato e non più definibile.

Secondo la concezione tradizionale e l'etimologia stessa della parola usata già in antico, Rinascimento starebbe a significare il risorgere dell'arte dopo la barbarie del Medioevo, il rifiorire dello spirito e delle forme dell'antichità classica. La critica moderna ha rifiutato questo concetto, riconoscendo sia l'altissimo valore dell'arte figurativa medievale, sia l'originalità e l'autonomia dell'arte rinascimentale. In effetti la memoria dell'arte antica e della sua grandezza si era tramandata per tutto il Medioevo; nel Duecento, anzi, con Cavallini, Nicola Pisano, Cimabue si era avuto un consapevole richiamo all'antico.
Nella moderna e più appropriata accezione il termine Rinascimento sta dunque a indicare la nuova condizione dell'uomo, che nel Quattrocento viene reintegrato nei suoi più alti valori morali e nella realtà che lo circonda.
All'universalismo e al senso del trascendente medievale si oppose la piena coscienza delle capacità razionali dell'uomo e della sua individualità, secondo una concezione che trova riscontro nel pensiero della civiltà antica che riconosceva all'uomo la sua autonomia e faceva della terra il suo regno. Le origini del Rinascimento vanno infatti cercate nell'Umanesimo, che aveva avuto alla metà del Trecento il suo grande iniziatore nel Petrarca. La riscoperta della cultura classica che aveva riportato l'attenzione sull'uomo e sulla vita terrena, facendone la realtà dominante, provocò un mutamento fondamentale nel modo di considerare i fini e i destini dell'umanità e conseguentemente nell'impostazione e nella risoluzione dei problemi filosofici. In questo periodo la filosofia si separava dalla teologia e diventava la scienza dell'uomo e della realtà, e, in seno alla filosofia, nasceva lo studio autonomo della natura, cioè la scienza di cui Leonardo e Galileo definiranno i particolari strumenti di ricerca. L'Umanesimo, che sta alla base della nuova civiltà rinascimentale, non negava tuttavia i valori della religione: grazie alla riacquistata autonomia intellettuale e spirituale l'uomo poteva anzi conseguire un continuo perfezionamento e arricchire la propria personalità e la propria vita interiore.

IL QUATTROCENTO

Iniziatore del Rinascimento, rinnovatore nel campo dell'architettura fu ritenuto già dai contemporanei Filippo Brunelleschi (1377-1446), A lui è dedicata la prima biografia che sia mai stata scritta di un artista, sicura testimonianza dell'importanza determinante che si attribuiva alla sua opera e alla sua personalità. Brunelleschi gettò le basi della prospettiva e ritrovò il modo di murare degli antichi e le loro simmetrie che avevano a lungo indagate con spirito rigorosamente critico sui monumenti di Roma.

Lorenzo Ghiberti e la Porta del Paradiso, rappresenta il primo trapasso dalla tradizione gotica alla nuova civiltà del Rinascimento

ll vero rinnovatore della scultura fu Donato di Niccolò di Betto Bardi detto Donatello (1386-1466), il più grande scultore del Quattrocento e una delle massime personalità di tutti i tempi.

Scultore pienamente rinascimentale fu Luca Della Robbia, creatore di una delle botteghe più celebri e attive del tempo. La sua fama e la sua fortuna è legata soprattutto alle terrecotte inventriate secondo una tecnica da lui inventata.

Anche durante la seconda metà del Quattrocento Firenze seguitò ad essere il più focolaio della scultura italiana sia per le molte notevoli personalità creatrici che vi nacquero o vi si formarono ed operarono, sia per la straordinaria varietà e l'originalità di accenti con le quali esse svolsero la lezione novatrice di Donatello volgendola a novi orientamenti di stile. Questi si manifestarono soprattutto, e con esiti altissimi, nell'opera di sue artisti che furono anche pittori, Antonio del Pollaiolo e Andrea del Verrocchio.

La scultura Barocca

II termine « barocco » deriva dalla filosofia medievale, nella quale sta a indicare un sillogismo particolarmente complesso; lo riportò in vita la critica d'arte del Settecento, di tendenza neoclassica, adottandolo col significato di astruso, strano, « superlativo del bizzarro » (Milizia), per indicare quella corrente artistica formatasi a Roma verso il 1630 e che fa capo a Bernini, a Borromini, a Pietro da Cortona, artisti caratterizzati da un'accesa fantasia e da un'esuberante empito vitale.

II barocco fu anche l'arte della chiesa trionfante, la quale, uscita dall'austero clima tridentino, volle celebrare la sua vittoria sulla Riforma con basiliche grandiose, ornate da vastissime pitture murali, intese a esaltare i dogmi della fede ritrovata e a celebrare i nuovi santi, ma anche a rispecchiare la potenza terrena della Chiesa. La nuova arte coincideva inoltre con il senso di grandiosità e di fasto delle grandi famiglie principesche. In un clima di rinnovata libertà, gli artisti diedero vita a soluzioni originalissime, spesso imprevedibili: « È del poeta il fin la maraviglia », secondo l'asserzione del Marino.

La scultura italiana nel periodo barocco

La prima grande personalità dell'arte barocca è Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), grande architetto e scultore, ma anche pittore e scenografo. Dal felice incontro fra la sua geniale inventiva e la società romana, che lo apprezzava e lo stimolava, ebbe origine la sua brillante carriera, che si sviluppò per quasi sessant'anni. Più di ogni altro il Bernini seppe tradurre, nell'abbandono patetico delle immagini religiose (Santa Teresa in estasi, cappella Cornaro in Santa Maria della Vittoria; statua della beata Ludovica Albertoni, San Francesco a Ripa) e nella grandiosità delle concezioni architettoniche, lo spirito del tempo.

Genio precocissimo, in un breve volgere di anni esaurì tutte le possibili esperienze culturali, da quelle della scultura ellenistica, di cui fu un abile reintegratore secondo il costume del tempo, a quella di Francesco Mochi (1580­1654), il più sensibile e libero scultore del Seicento (statua di Santa Veronica in San Pietro); riuscì così a creare il nuovo linguaggio della scultura barocca fondato sulla vitalità e il continuo movimento delle forme immerse nello spazio (Apollo e Dafne, Ratto di Proserpina, Giove fanciullo con la capra Amaltea, Roma, Galleria Borghese)

La scultura Neoclassica

Dopo la metà del XVIII secolo si sviluppò ma reazione contro l' estetica del barocco e la sua ultima derivazione, nota in tutta Europa con il nome di rococò.

I filosofi, sia cartesiani sia empiristi e sensisti, i critici, gli artisti e i loro committenti ritenevano artificiosa fantasia con cui erano trattati i modelli romani, che fin dal Rinascimento rappresentavano la fonte d'ispirazione ufficiale, e inoltre giudicavano eccessivo e frivolo il dinamismo che avvolgeva le forme in un ritmo sfrenato . Questa reazione, inizialmente limitata nelle sue manifestazioni, presentò due aspetti essenziali: da un lato un deciso ritor­so al concetto della natura primitiva vera o presunta e una rivalutazione della sensibilità individuale, che daranno origine allo spirito del romanticismo e del realismo; dall'altro il ritorno al rigore geometrico e al gusto per un' antichità depurata dalle sovrapposizioni le erano state imposte dal gusto europeo a partire dal X V secolo. Queste due tendenze che costituirono la base degli sviluppi sviluppi del periodo che precedette il romanticismo.

Nel campo delle arti plastiche il neoclassicismo trionfò fino al 1825 circa, ritardando la fioritura del romanticismo che meglio rispon­deva alla evoluzione generale del pensiero europeo, e che in un primo tempo si espresse timidamente sotto il velo delle forme classiche , prima di giungere a sostituirle in maniera definitiva. È necessario non dimenticare questo fatto di primaria importanza nel delineare lo sviluppo della dottrina neoclassica attraverso le principali creazioni di quel periodo.

Come spesso accade, una società molto raffinata si appassionò alle opere arcaiche, che apparivano a un tempo più naturali, più pure e più razionali. Gli importanti progressi realizzati durante il XVIII secolo nella cono­scenza delle antiche civiltà del bacino mediterraneo favorirono l'affermarsi di un'estetica fondata sullo studio dei nuovi modelli, ritenuti qualitativamente superiori ai pezzi ellenistici fino allora imitati. A partire dagli inizi del secolo, gli studiosi cercarono di svelare il mistero della civiltà etrusca, mentre gli scavi intrapresi a Pompei e a Ercolano rivelavano le splendide decorazioni delle ville e delle abitazioni romane: gli oggetti esposti al Museo di Portici entusiasmarono esperti e amato­ri. Arditi viaggiatori scoprirono con meraviglia la nobile sobrietà dei templi dorici di Paestum e della Sicilia.

Non contenti di redigere le prime storie dell'arte partendo da queste scoperte di capitale importanza, gli archeologi, nutriti di cultura classica e filosofica, si trasformarono in teorici nell'intento di codificare la dottrina del bello ideale; secondo queste teorie lo stu­dio delle opere dell'antichità (non più sol­tanto ellenistiche o romane ma anche egi­ziane, greche ed etrusche, considerate co­me le più vicine alla verità e alla perfe­zione), è superiore all'osservazione diretta della natura.

Pur adottando senza riserve il principio del ritorno all'antichità, e ripudiando le forme graziose del rococò, il dinamismo barocco e perfino certe libertà tra­dizionalmente ammesse nei confronti delle forme greco-romane dopo Vignola, Palladio, Raffaello, i Carracci e Poussin, i migliori artisti non si limitarono comunque a imitare i modelli offerti alla loro ammirazione dagli archeologi, ma seppero interpretarli, riu­scendo a esprimere attraverso le loro opere il proprio temperamento. Si sviluppò così un nuovo stile europeo, imbevuto di maestosa grandezza e di austera sobrietà, di squisita leggerezza e di serena gravità, su una solida trama di elementi tratti soprattutto dal reper­torio della Grecia e di Roma

La scultura italiana nel periodo neoclassico

La scultura è per sua natura la forma artistica in cui più facilmente si evidenziano i risultati positivi e negativi del gusto neoclassico. Tra i portati negativi c'è il sostituirsi dello studio del modello vivente con la copia dei gessi tratti dalle statue antiche, troppo spesso di qualità scadente. È questo il momento più debole dell'evolversi dello stile, nel quale il­lustri artigiani non creano ma traducono in freddi e levigati marmi bianchi il canone classico. Oltre che nella statuaria monumen­tale, nella ritrattistica l'espressione individua­le diventa « tipo », così come le vesti contem­poranee lasciano il campo a semplici drappeggi o alla completa nudità. La purezza sot­tile di linee e volumi di questa scultura, ten­dente a un'astrazione affine alla ricerca geo­metrica dell'architettura, non è esente da una certa freddezza e monotonia.

Si devono alla grande personalità di Antonio Canova (1757-1822) i più alti risultati del­la scultura neoclassica.

Il classicismo del Canova fu ben lontano dalla raziocinante frigidità del suo contemporaneo, il danese Bertel Thorwaldsen (1770 - 1844), anche lui attivo a Roma e rappresentante del classicismo più integrale.

Il Canova fu l'ultimo artista italiano di latitudine veramente europea. Non ebbe diretti allievi, ma molti seguaci e imitatori: e ancor più ne ebbe il Thorwaldsen che del Canova stesso era stato nel 1811 posto a capo della classe dell'Accademia di San Lucia. L'enorme influenza esercitata da questi e dal Canova determinò il dilagare del Neoclassicismo in tutta la penisola, da Roma dove ebbe le più copiose manifestazioni a Venezia, a Milano, a Torino, a Genova, a Napoli (dove è del Canova il cavallo del monumento a Ferdinando I in piazza Plebiscito).

Tra gli scultori del periodo degni di nota, c'è sicuramente il romano Giuseppe Ceracchi, che forse, avendo la possibilità di conoscerlo meglio, meriterebbe una considerazione più grande di quella che a tuttora gli è trubutata.

Ma a Roma vi è almeno un altro artista di cui ci si deve variamente occupare sia per il suo valore intrinseco sia per gli aspetti culturali che ha rappresentato: Adamo Tadolini (1788-1868), prediletto del Canova, suo fedele aiuto e discepolo.

La scultura dell'ottocento

Dopo l'influenza determinante del Canova. Canova e degli scultori neoclassici, alcuni artisti tentarono di rinnovare il gusto accademico imperante cercando la bellezza non più nei modelli classici, ma nella natura, e sottolineando la spiritualità interiore più che la perfezione esteriore della forma.